DERBY BAKORA LUCIA C. PINO

Por Raul Páez.

Derby Bakora es el título la exposición inaugurada el 3 de Febrero de 2017 y finalizada el 31 de marzo, tuvo lugar en la galería ET Hall, carrer Joaquín Costa, núm 30. Es una exposición individual de Lucía C Pino.

Bajando por la calle Joaquín Costa veo que la galería ET Hall tiene los cristales de color negro y no se puede ver nada del interior. En el mismo cristal hay un cartel que pone Derby Bakora hecho a mano con spray negro. No tengo ni idea de que hay dentro.

Intento entrar pero está cerrado, tiro de la puerta, pico al timbre pero parece que no hay nadie. Cuando ya me iba entonces abren y me advierten tres veces seguidas que vigile con el suelo.
Todo está oscuro, los cristales han sido pintados con spray negro y solo se intuyen algunas figuras en la pequeña sala, hay algo colgado del techo con cadenas, el metal brilla. Repartidas por el suelo y en las diferentes paredes hay más piezas que tienen un color flúor violeta. Enseguida me doy cuenta que la habitación está iluminada con luz negra, un tipo de luz que emite radiación electromagnética ultravioleta. La luz negra se utiliza en ambientes oscuros para resaltar algunos colores sobre otros, el efecto visual es muy llamativo. La luz negra hace resaltar los colores blancos, que tienen un brillo blanco violáceo, dejando casi en la oscuridad al resto. La hoja de sala reluce y brilla en un tono violeta en la pared, veo el nombre de Lucia C. Pino y enseguida me pongo muy contento, una de mis artistas favoritas. En la hoja de sala tenemos un plano que explica el espacio y el nombre de cada obra, especificando cada material, un hecho que define muy bien a Lucia C Pino. Ella da mucha importancia a los materiales que usa, son la base expresiva de su trabajo.

En palabras de Angel Calvo Ulloa:

Lucía C. Pino otorga una importancia determinante a los materiales con los que configura su discurso. No pasa inadvertida la memoria que éstos acumulan durante el trayecto que los lleva hasta sus manos, hecho que otorga un gran peso simbólico y que resulta condicionante a la hora de trabajar con ellos, sin olvidar la propia naturaleza de esos elementos y sus características inherentes. Por esa razón, la intervención es en ocasiones mínima y su duración indeterminada, evidenciando las particularidades que los propios materiales y las formas encierran, potenciando esas características por medio de la experimentación enfocada a un acto casi performativo.
El protagonismo que estos adquieren, ora dominados, ora dejados libremente, logra una dimensión crucial a la hora de entender lo que sucede en cada uno de los proyectos de C. Pino.

Angel Calvo Ulloa, 2015

A medida que el ojo se va acostumbrando a la oscuridad los objetos más oscuros van dejándose entrever, algunos reposan levemente en le suelo, otros cuelgan del techo y otros de la pared.

El espacio esta organizado jerárquicamente, nada más entrar por puerta la pieza que toma más importancia es ‘’Pelunian Switch’’. Se trata de un chasis de moto negro colgado del techo con unas cadenas de acero, debajo reposando en el suelo tiene una pequeña construcción con objetos sobrepuestos. Un ventilador hace de base, éste encima tiene una plancha de fibra de vidrio con unos guantes de algodón encima. El resto de piezas están distribuidas por el lugar como pequeños fragmentos que parecen nacer de ésta pieza principal.

A la derecha de ‘’Pelunian switch’’ tenemos la pieza ‘’It’s already happening, I’ts here, it’s that time’’, se trata de un puño de moto colgando de la pared del cable del acelerador. Debajo de este puño hay un dibujo pegado a la pared. Aquí hay dos representaciones contradictorias, aquello industrial que viene siendo el puño de moto acompañado de dibujos a lápiz de la higuera bacor. La higuera del bacor es un motivo que se va repitiendo, la artista hace alusión a este árbol para describir un paisaje, ese paisaje dónde se encuentra el origen de los objetos que forman parte de la instalación.

En la parte izquierda tenemos tres piezas más, la primera ‘’Metal honey shaves her head’’ se encuentra en el suelo. Una plancha metálica doblada está sujetando un trozo de látex color rosáceo apagado. El metal parece agredir al látex que se retuerce. A primera vista el látex recuerda a un trozo de piel que hubiera sido arrancada de un cuerpo, pero los brillos y su aspecto aluden al plástico, están dotados de artificialidad generando una situación incómoda y discordante.

Al lado de ‘’Metal honey shaves her head’’ se encuentra ‘’Wake up, wake up ‘Cause she is’nt alone’’, una pieza compuesta por una falda tejana y una pieza del carenado de moto. La falda esta tensada por las piezas de metal del carenado, que la estiran de algunos lados y de otros queda más flácida. Esta pieza me sugiere agresión. La prenda de ropa estirada y atravesada por el metal transmite violencia y brusquedad.

Por último está la pieza ‘’On your dial’’ un dibujo a lápiz colgado en la pared, con un trozo de látex que cubre una parte del dibujo. Otra vez se repiten las representaciones de la higuera de bacor.

El sitio me ha hecho experimentar una sensación de frio y de vacío, como si me encontrara en un lugar postapocalíptico donde el desastre ya ha ocurrido, ya ha pasado, como si hubiéramos tenido tiempo de asimilarlo. Un desastre que en su origen era fragmentado y que ahora se entiende como algo estructurado que dota a todo el conjunto de una artificialidad evidente. La disposición de las piezas y la manera de tratar los materiales me recuerda a algo clínico, como si tuviera relación con un laboratorio científico donde cada material es analizado y pensado para sugerir impresiones o emociones. Puedo apreciar la capacidad de observación y la sensibilidad de la artista, su compresión del espacio es muy acertada, hay un diálogo entre las piezas y la jerarquía en la que están distribuidas nos da pistas sobre lo que quiere mostrar o despertar en el espectador.

El conjunto de obras configuran un paisaje que está conectado directamente con la idea del residuo que interpreto como algo periférico, la mayoría de los objetos que encontramos en la sala podrían estar en la periferia de cualquier ciudad. Lucía C. Pino ha otorgado una simbología y ha dado un orden a todo aquello derrotado o semimuerto. En una primera impresión entiendo los objetos que ocupan el espacio en el límite que los desvincula de la realidad, están descontextualizados de su origen, pero en pequeños detalles siguen anclados a lo cotidiano haciendo referencia al cuerpo humano, a extensiones o prótesis que podrían formar parte de nuestro cuerpo.

Puedo apreciar en este trabajo de Lucía C. Pino una alusión al olvido, al dolor, al abandono. El chasis de la moto es lo principal aquello que sustenta la máquina, el esqueleto. Todas sus piezas han sido desprendidas e interactúan con otros materiales que están relacionados con el cuerpo humano y la naturaleza, como por ejemplo las formas orgánicas de los dibujos de la higuera de bacor o los trozos de látex que se asemejan a la piel. La contradicción de materiales los hace relacionarse en cierto modo de una manera incómoda. La destrucción se apodera de la instalación, sin embargo veo a Lucía como el eje o nexo que da un nuevo significado o una nueva vida a estos materiales.

Salgo a la calle otra vez, la luz me ciega. He estado mucho rato en un sitio oscuro y aislado, totalmente diferente de lo que supone estar en el Raval. Me voy con una sensación de placer y frescura, hace ya tiempo que una exposición no me sorprende tanto, ya que la mayoría de las exposiciones que visito en Barcelona me aburren.

Raul Paez Rodriguez, 2017.

LINKS:

http://www.luciacpino.com/

http://www.noviembrebcn.com/2017/02/derby-bakora.html

http://wsimag.com/es/arte/24052-derby-bakora

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