“Do and things will happen”

 

Entrevista sobre el contenido y funcionamiento de la Galería EtHall, enfocada al dibujo contemporáneo y situada en pleno centro de Barcelona.

Por Cuadrao Pero Calvo, Clàudia Torrents i Maria Farré.

Salimos de Massana y en apenas cinco minutos nos adentramos en el bullicio de Joaquim Costa. Los coches pitan para que nos apartemos del centro de la calle, el descargue de los camiones, llenos de verdura, fruta y otras provisiones, nos hace parar repetidas veces. Miramos a ambos lados de la acera, cual turista en una ciudad desconocida, pero en poco rato nos encontramos con etHall, la galería de dibujo contemporáneo que comparte espacio con otras iniciativas independientes como Múltiplos, centrada en la venta de libros y publicaciones de artista y la recién inaugurada Kino, dedicada al cine experimental y videoarte.

La vaga de metro equilibra nuestra impuntualidad nata con el casual destiempo de Sabrina Ellman, la asistente de Jorge Bravo, el galerista de etHall. Hablaremos hoy con ella ya que Jorge no puede asistir al encuentro. Sabrina está licenciada en Bellas Artes y ha hecho cursos de comisariado y gestión de galerías. Trabajó en Londres, y cuando se mudó a Barcelona lo hizo en Foto Colectania, donde conoció a Jorge. A él le gustó cómo se desenvolvía, y desde entonces son un equipo en etHall.

Mientras nos presentamos, Sabrina abre la persiana a la par que Claudia se aproxima a un contenedor y un hombre le advierte ¡anda con ojo, niña, que está recién pintado! Una vez dentro, el espacio se muestra como una completa antítesis del exterior. A oscuras, una primera sala, pequeña, blanca y prácticamente vacía se precede al lugar donde charlaremos. Es un pequeño despacho abierto. Tras una puerta, vemos que hay gente trabajando, se trata de Múltiplos. Colocamos tres sillas más frente a la mesa que ocupa Sabrina y nos acomodamos mientras se encienden las luces.

 

Nos llama la atención el subtítulo “dibujo contemporáneo” ¿Qué consideráis dibujo contemporáneo y cuál es el límite donde éste tiene cabida?

S.E. No es que haya una línea definida de lo que entra o no en dibujo contemporáneo. 

Los artistas con los que trabajamos no dibujan en torno a un diseño, intentamos ver hasta qué punto el dibujo puede evocar cierta emoción. Jorge busca en el dibujo la simpleza de la línea, el trazo y la sutileza. Tenemos el ejemplo de Sergio Prego que exhibe prácticamente un boceto.

¿Hasta qué punto algo es dibujo y hasta qué no? Bueno, no podríamos concretarlo. De hecho, dibujos desde los 70s, 80s, se pueden llamar contemporáneos también. Muchas prácticas artísticas vuelven. Hay artistas del 1950-60 que tienen un trazo que parece que lo hayan hecho ahora, así que creo que es un ámbito bastante amplio y que pedir definiciones es como etiquetar, cerrar el campo de posibilidades.

Hoy por hoy estamos intentando abrir el espectro. Trabajamos con video, fotografía, instalaciones y multimedia. Lo único que no se toca es la pintura, pero sí la escultura. Artistas como June Crespo, que además de hacer dibujos trabajan la escultura, trasladan el nivel 2D al 3D. Esto nos parece interesante porque, normalmente, es un abanico de coleccionistas fijo el que se dedica a la compra del dibujo. Un dibujo centrado, sobretodo, en la disciplina del diseño, a pesar de que en Barcelona sea algo muy establecido.

 

Como dices, en muchas ocasiones el dibujo se ve contextualizado de otros elementos que son necesarios para dotar de cuerpo el discurso que se quiere alcanzar, sin embargo, no podemos evitar entrar en categorizaciones al tratar de definir una disciplina artística. Lo que se encuentra bajo el marco de la palabra dibujo remite a algo muy concreto, que poco se parece al difuminado de líneas que se produce cuando trabajamos en un concepto.

S.E. Muchas veces pasa que ves algo y dices “esto es ilustración” o “esto es diseño”. Obviamente que el diseño puede ser arte, pero hay una fina línea que en algún momento tu propia sensibilidad te va a decir: esto no lo puedo meter en mi galería. Que después intentes meterlo porque te gusta, porque te parece que habría que hacer un corte o una ruptura con lo que es el mercado, eso ya es un tema más filosófico. Pero en términos prácticos no podemos ignorar esta línea. Por eso creo que la pregunta que me hacen es muy difícil, simplemente considero que es una cuestión de sensibilidad.

 

Hace poco fuimos a una exposición de ilustración y nos planteamos qué diferencia puede haber entre una ilustración y un dibujo. Podríamos decir que hasta el punto en el que se concibe la ilustración ha habido un proceso de dibujo, que se descarta apostando por un resultado final. Tal vez estos “dibujos de pensamiento trasladado a la línea”, con un aire más bien procesual, son los que logran tener cabida en un espacio como este, ¿no?

S.E. Conozco una persona que toda su vida se dedicó al dibujo y me pidió ayuda a la hora de mover su trabajo, de exponer en una galería. A pesar de ser muy talentosa, su tipo de obra no estaba preparada para exponer en lugares como Art Basel o ARCO. Lo puedes llamar obra, pero en el mundo del arte se va a interpretar como ilustración. Entonces uno tiene que decidir hasta qué punto quiere generar el quiebre.

En este punto entramos también en una dicotomía, adentrándonos en temas del mercado del arte: qué es lo que va a vender, lo que no, y qué es lo que se está vendiendo. Hoy por hoy se venden muchas instalaciones, fotografía, cosas más rotas, eclécticas. Obviamente siempre encontramos el mercado secundario que vende Picassos, Modiglianis, etc. Tienes que saber qué tipo de coleccionistas tienes y qué tipo de galería quieres tener. Es un tema de contexto.

 

Revisando los artistas que han pasado por la galería, nos sorprendió encontrarnos con Matt Madden. Lo conocimos a partir de una publicación en la que explicaba una misma situación con múltiples métodos, generando una visión muy amplia de una misma narración. Generaba una lectura que quedaba cerrada en esa edición, siendo necesarias cada una de las páginas con tal de comprenderlo en su totalidad. Algo que se contrapone al pensarlo como algo expuesto, sin embargo, viendo esta búsqueda de tridimensionalidad y contextualización que os caracteriza no parece algo tan descabellado que su obra se sitúe en un espacio.

S.E. Aquí está el punto de interés entre cómo se pueden complementar a una obra. Todo depende de cómo lo presentes, eso es algo esencial. Incluso un libro que tenga una redacción increíble, presentado como si fuese un cuaderno, sin ninguna relación con lo propiamente escrito o con la estética que le corresponde, difícilmente gustará al público.

Por eso creo que hoy por hoy es muy importante la instalación dentro de lo que es el dibujo.

En la última exposición que tuvimos de Sinéad Spelman, se ve muy claramente lo que quiero decir. Ella es Irlandesa y lo que hace es vincular el tema de la fuerza con la bebida y como se traducía esto a ella misma. Se encontraba en una especie de agujero y elaboraba su discurso a través de dibujos muy sencillos, con una línea fina. Cambia mucho su lectura viendo los dibujos como piezas individuales o como elementos que se ponen en diálogo y en relación, no solo con ellos mismos sino con el espacio de la galería. Su disposición generaba este hundimiento a partir de jugar con el nivel de altura en el despliegue de las piezas. Cómo se formulaba la instalación fue lo que acabó de dar un cuerpo a su obra, generando un puente entre lo conceptual y lo formal.

 

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Serie de dibujos de Matt Madden.

 

Aquí podríamos distinguir entre dos modos de concebir el dibujo en su fase más inicial. Una es la de pensar el dibujo como algo destinado a un espacio, teniendo en cuenta este sentido más escultórico desde su planteamiento y la otra la de generar una interpretación posterior que lo ubique en esta tridimensionalidad, partiendo de una pieza realizada. Vosotros os centrais más en esta segunda parte, ¿no?

S.E. Exacto. Evidentemente tenemos artistas que trabajan exclusivamente para el espacio, de hecho, June Crespo es una artista vasca que justamente está preparando algo in situ para etHall. El considerar este tipo de propuestas, denota una voluntad por parte de la galería de entrar en un proceso de transición. Está abierta desde enero de 2011 y, con cinco años de experiencia, creemos que hemos logrado establecer una base sólida en la que se asientan artistas, coleccionistas… El hecho de habernos dado a conocer, ir a Arco, etc. nos ha hecho plantearnos un crecimiento en otras direcciones, en seguir incursionando en estas vías en las que se concibe una pieza de dibujo más allá del 2D, es decir, ya no nos conformamos con recibir una obra e instalarla “como lo sintamos”, sino que el trabajo en conjunto con el artista es vital, el tomar siempre en consideración las propuestas del artista y adaptarlas al espacio sin dejar de lado esta comunicación.

 

Es que sino la desvinculación que hay no tiene sentido.

S.E. Como galerista, tienes que pensar que estás siempre del lado del artista. El trato que Jorge tiene con la gente que representa es muy personal: les acompaña, se establece un diálogo constante. Estas son el tipo de cosas que hacen que la galería sea accesible, que no intimide. Que hacen que la galería sea humana. Estamos aquí con el propósito del arte y queremos ver cómo funciona.

 

Además estáis en colaboración con Múltiplos.

S.E. Si, estamos en colaboración con Anna que tiene un proyecto de libros de autor y desde hace poco, el jueves pasado, inauguró oficialmente Nuria con La Kino. Los tres espacios dialogan muy bien entre sí, son proyectos separados, pero hay un buen diálogo.

 

¿Cómo escogéis a los artistas? ¿Sois vosotros quien los va a buscar o son ellos que vienen? ¿Teneis mucha demanda de artistas?

S.E. Por lo general recibimos propuestas, tenemos el correo lleno de portfolios. Los vamos mirando y cuando vemos que hay algo interesante lo comunicamos y concretamos una entrevista con el artista.

Muchas veces lo que hace Jorge es entrar en colaboración con otras galerías con el objetivo de compartir artistas como es el caso de June Crespo, que trabaja en una galería en el País Vasco. Se trata de ver qué podemos hacer para darle la mejor oportunidad a este artista para complementar su obra.

Normalmente a Jorge le gusta mucho ir al estudio del artista, le parece que es una parte vital para conocerlo e indispensable con tal de elaborar un buen discurso de presentación. Ver en lo que están trabajando, las pruebas, los errores, los materiales. Ya que muchas veces lo que el galerista o cualquier persona externa a la obra lee sobre esta es algo que el artista no ha logrado ver, priorizando sobre otro territorio pero dejando una zona de alta potencialidad desbancada.

 

La proximidad hacia tu propio trabajo es lo que impide ver la complejidad de lo que creas. Van surgiendo cosas que descartas y que luego puedes recuperar para complementar tu discurso y darle otro punto de mira.

S.E. No solo eso, sino que un punto de vista experimentado y que sabe lo que se busca puede ser de gran ayuda. Si yo recibo un portafolio y veo que es de fotografía de estudio me parece que, por ahora, no va a cuadrar con el perfil de la galería. En esta cuestión, vamos a ser coherentes con la línea que estamos buscando, con lo que queremos presentar y por lo que nos busca la cartera del coleccionista.

Hay artistas que son los que más venden, siempre sucede. Pero bueno, la idea del galerista debe ser la de intentar ir metiendo otros artistas que no son tan conocidos o no han pisado tan fuerte en el mercado, para poder expandir y mostrar lo que está sucediendo.

 

Leímos en una reseña¹ que la galería es non-profit, ¿cómo os gestionais?

S.E. Seguramente era Jorge hablando, pero sí, puedo decir que hoy por hoy es una galería pequeña, casi non-profit. Toda la obra que vendemos la reinvertimos en ir a ferias y pagar viajes con los artistas para ir a ver galerías interesadas en colaborar con ellos. Jorge trabaja desde el corazón, siempre muy profesionalmente, pero consciente de que lo que está haciendo es a favor del artista y que debe funcionar para ambas partes.

Se dice que en las galerías esto se descuida un poco. Aquí, por ahora, no sucede. Claro que  tenemos aspiraciones a crecer y poder ser una referencia en Barcelona y a nivel internacional, pero en ningún momento tenemos la intención de dejar de lado el trato con el artista, que en realidad, es la única razón por la cual uno tiene una galería.

 

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Espacio expositivo de la galería durante la exposición de Fleur Noguera

 

Lo que decías al principio de complementar el discurso no sólo con el dibujo sino también con otros dispositivos se encuentra en enlace directo con la colaboración que tenéis con el LOOP, no?

S.E. Es vital, te puedes centrar en un tema como es el dibujo contemporáneo pero la etapa en la que están ahora tanto la galería como el galerista es conveniente abrirse, el festival Loop es una de las primeras cosas que hacemos de exclusivamente de video.

Un ejemplo de esta relación a nivel expositivos la encontramos en la obra de Martín Vitaliti, que es uno de los artistas con los cuales trabajamos. Él utiliza mucho el tema del cómic y hace poco hizo una instalación en la galería Lucerna (Praga) en la que no te dabas cuenta que la instalación estaba hecha a partir de cómics, en ningún momento había un dibujo, eran todo impresiones de cómics bien seleccionadas, cortadas, armando cajas de profundidad de forma que parecía que todo el espacio fuese un cómic. Ese tipo de cosas son las que hoy por hoy estamos intentando hacer, trasladar este interés por el dibujo a un 3D o 4D o lo que sea, creo que es una etapa interesante y que se van a empezar a ver cosas nuevas.
Y en este cambio que vislumbráis, ¿pensáis también en un cambio de espacio físico o es más una revisión del funcionamiento interno?

S.E. Es una cuestión de entrar más en colaboración y poder llevar la galería a otras exposiciones. Hoy por hoy asistimos, entre otros, a  Arco, Arte Santander, etc. pero nos gustaría poder participar en otras ferias más grandes como Art Basel (Miami). Todavía queda camino por recorrer, pero creo que es un proyecto que es capaz de internacionalizarse. El nicho de Barcelona ya lo tenemos bien manejado y la gente nos conoce, creo que es una galería que está dejando una buena huella dado que no se centra tanto en lo comercial como hacen otras muchas galerías.

Obviamente, buscamos algo que cumpla con lo que está sucediendo en el mundo del arte actualmente, pero también uno tiene que saber esperar y contrastar cuando es el momento correcto de introducción de otros artistas. Hay una artista que se llama Lucia Cocopino y es difícil tenerla aquí, en esta época con la producción que está realizando, sin embargo, en Berlín podría funcionar muy bien. Uno tiene que conocer mucho lo que se mueve, dónde, etc. Así que estamos en ese proceso de hacer red hacia fuera.

 

La galería es joven y hace relativamente poco que estais en funcionamiento, ¿antes Jorge qué hacía?

S.E. Jorge se dedicó al mercado secundario. Tiene mucha idea de cómo se mueve este tema, entonces desde ahí surgió también su interés por generar algo propio. Se dedicó incluso al montaje de instalaciones en otras instituciones, otras galerías. y con toda esa experiencia dentro del mercado secundario y dentro de lo que es el montaje de exposiciones es como llegó a poder hacer algo como lo que está haciendo ahora. Yo creo que Jorge es una persona con muchas pilas, tiene muchas ideas. Él está con el artista montando la exposición, no contrata a un técnico para que le haga las cosas. Algo que es muy importante a la hora de llevar una galería, estar metido en todo, hasta el último detalle.

 

En varias entrevistas hemos leído que esto es el hall de la editorial Estudiosos del Tema, volcada esencialmente hacia el cómic y que es, en pocas palabras, uno de los factores que hicieron detonar la creación de etHall. ¿Podrías contarnos algo sobre esto?

S.E. Yo quería evitar esta parte.. jajaja. Muchos proyectos de este tipo suelen surgir de una colaboración. Es algo que deberían preguntar a Jorge porque yo tampoco me siento en potestad para decir nada, pero es realmente interesante el proceso, de cómo a partir de la colaboración se llega a fundar algo como esto.

La experiencia del comisariado es vital para llevar una galería porque, a fin de cuentas, el director es a la vez el comisario de la galería. Por otra parte, montar una galería requiere dinero, por lo que busco gente que pueda subvencionarme con tal de ir creciendo.

Tras el crecimiento que ha tenido la galería, ha llegado un punto en que incluso gente de Tokio escribe para trabajar con nosotros pero claro, ¿cómo lo haces para ir a ver el estudio de un artista en Tokio? Es aquí cuando se busca generar nuevas dinámicas de cómo hacemos las cosas para abrirnos, siendo coherentes con lo que hemos estado haciendo hasta el momento.

A fin de cuentas el conocer a artistas emergentes es bueno para saber qué se viene, qué hay. Es uno de los puntos vitales para Jorge a la hora de llevar la galería.

Siento que por ejemplo esta conversación no se da en otros espacios, te vas a Consell de Cent y qué sucede, no?

 

Entonces, ¿en qué momento crees que un proceso es arte en contrapunto a un concepto pensado y rumiado?

La parte de rumiar un concepto, de tener un cuaderno para reflexionar, de llevar a cabo todos estos pasos previos, reflejos del pensamiento, fuera de parecer inútiles son completamente necesarios, sino, como decía una profesora mía, “vas a dar a luz a un bebé deforme”. Al final todo se resume en hacer. Do and things will happen. Si tú no agarras un papel y no haces un trazo, no pasa nada.

 

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Fragmento de la muestra Y en ese preciso instante… de Martín Vitaliti en la galería EtHall

 

 


¹http://www.revistagq.com/noticias/cultura/galerias/nuevos-galeristas-espanoles/9705/image/690972

 

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